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La exploración geométrica de Fanny Sanín

BY: Angela Maria Jose Calderon / 0 COMMENTS / CATEGORIES: PUBLICACIONES DIARIO EL NUEVO SIGLO

Los asistentes podrán deleitarse con la abstracción de cada una de las pinturas de la creadora bogotana. CON 10 obras en acrílico y 19 en papel, perfectamente balanceadas, con formas geométricas en torno a un eje vertical, la artista Fanny Sanín trae de regreso, a la Galería Alonso Garcés, su talento a Colombia.

En su muestra, la artista expone su comprensión perfecta de la tonalidad que le permite avenirla de forma inesperada creando una armonía rítmica. Cada pintura es precedida por una serie de dibujos, donde la artista encuentra la combinación perfecta de figuras y color, logrando una magistral composición.

Durante los últimos 40 años, Sanín ha desarrollado su trabajo sobre la abstracción geométrica constructivista y sus variantes en el arte cinético que la hizo adaptar algunos de los principios del minimalismo y del conceptualismo. Así su obra ha tenido cambios sutiles en el desarrollo de las pinturas abstractas, incluyendo la incorporación de formas diagonales y tinte horizontal.
Recopilación de 40 años de trabajo

Su obra se destaca por haber ocupado un papel protagónico en la escena de las artes plásticas en Colombia desde el comienzo de los años sesenta, donde impuso una posición de constante intercambio con el pensamiento global, con la escena del arte internacional, pero referenciada de una forma sutil y profunda a reflexiones propias de su origen latinoamericano.

Sanín hace parte de una generación de artistas que dio los cimientos a las artes plásticas en Colombia, junto a Edgar Negret, Eduardo Ramírez Villamizar y Omar Rayo, entre otros, y abrieron a partir de mediados de los años cincuenta la posibilidad exponer sus obras en el extranjero sin tener que abandonar la sensibilidad local.

El trabajo de la artista le permite al visitante explorar las infinitas posibilidades de ver un ordenamiento de formas duras de la geometría desde el interior del universo propio de la pintura que le sirve de metáfora de un sistema de signos que se repliega sobre sí mismo. Es sorprendente cómo logra que no se repita ninguna figura entre sus cuadros. El estudio de la geometría utilizando una técnica bidimensional desde la pintura y el dibujo le permite a Sanín explorar a través de una racionalidad espacial.

La creación de los sistemas espaciales con distintos manejos de la profundidad, recrea la armonía sensorial de cada una de las estructuras, apoyándose en cómo se comporta la sociedad en torno a la percepción de los colores.

Gran colorista

Gracias al color cada una de sus piezas tiene un carácter definido dándole un ritmo y vibración interna permitiendo así que despierten en el imaginario y percepción colectivos sentimientos que al verlas nuevamente el espectador pueda descubrir algo nuevo en ellas.

Las piezas que exhibe de su último periodo, que abarcan varios años de producción desde el 2006 hasta hoy, quizás tengan una connotación mítica y espiritual. El juego con el color y las formas nos llevan al interior de un espacio muy íntimo, intelectualmente muy cercano a la experiencia sensible de un paso hacia otro lado que va más allá del orden de lo que existe. Un lugar trascendente más allá del propio universo de las pinturas.

La artista

Fanny Sanín nació en Bogotá en 1938, en 1960 recibió el grado de Maestra en Bellas Artes de la Universidad de los Andes. Desde entonces se ha consolidado como una de las artistas contemporáneas más importantes de Latinoamérica. Sanín ha expuesto individualmente en la Galería de Arte Moderno en Monterrey (1964); en la AIA Gallery de Londres; en la Unión Panamericana (OEA) en Washington (1969), de igual forma participó en la exposición Works on Paper – Women Artists en el Brooklyn Museum de Nueva York (1979).

Debido a su gran trayectoria como artista recibió en 1983 el Premio de Colombia, el honor más alto otorgado a un colombiano viviendo en el extranjero y fue honrada con una gran exposición retrospectiva en el Museo de Arte de Bogotá en 1987. Su trabajo ha sido presentado en docenas de exposiciones individuales y en casi 150 colectivas por toda América y Europa.

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Lluvia fotográfica de Juan Guillermo Escobar

BY: Angela Maria Jose Calderon / 0 COMMENTS / CATEGORIES: PUBLICACIONES DIARIO EL NUEVO SIGLO

MONTADAS en cajas de luz hechas en aluminio, las imágenes de A mí la lluvia, como se titula la última colección de Juan Guillermo Escobar, ofrecen una visión alternativa del medio fotográfico y exigen una interacción permanente entre el espectador y la foto.

Inspirado por tres conceptos, este artista colombiano de reconocimiento internacional, expone un proyecto que se separa de la percepción convencional de la fotografía como relatora de historias.

Escobar utiliza dos conceptos básicos en la composición de sus obras, el primero de ellos se refiere a la idea de cómo se le puede añadir tiempo a una fotografía. “Las imágenes no son fácilmente identificables y requieren segundos más del espectador, forzándolo a tomarse su tiempo para leer los elementos de color, texturas e información”, afirma el artista con relación a cada una de sus piezas. El segundo, en cambio, alude a la intención de separar la fotografía de su función descriptiva, usándola como un medio completamente alejado del reportaje visual.

Así, la intención de Escobar es reconciliar la fotografía con la pintura, usando técnicas pictóricas que rompan la rigidez del diálogo entre los dos medios. Los elementos clásicos de la pintura, como la textura, la abstracción y la aplicación de los colores, se encuentran en estas imágenes fotográficas, como si fueran hechas con acrílicos y brocha, permitiendo que la luz y los objetos aparezcan menos rígidos y más abstractos que en su estado natural.
Reconciliando la pintura con la fotografía

Escobar usa de referencia para su trabajo la obra del artista David Hockney, el cual expone la idea de que “la fotografía es un medio con una inminente carencia de tiempo.” Esto alude al debate que cuestiona a esta técnica como un arte, puesto que tomar una buena imagen requiere 1/60 de segundo, mientras que una pintura, o una escultura, pueden tomarse años en completarse.
“Mis imágenes tienen la intención de hacer referencia a este tema cambiando la interacción del espectador con la foto. Esto sucede al no existir en la imagen un mínimo de elementos que nos den información del quién y en dónde aparecen en la foto”, sostiene el artista.

Esto nos introduce al tercer concepto de A mí la lluvia, el de reconciliar la fotografía con la pintura. Esta idea fue presentada inicialmente por el pintor Gerald Richter, quien en su trabajo utiliza el movimiento y la composición típicos de la fotografía, pero aplicados a la presentación de sus pinturas. Las imágenes de Escobar proponen lo contrario, ya que al usar elementos característicos de la pintura, permite que la luz y los elementos en la foto aparezcan con un aspecto abstracto y natural a la vez.

Estos conceptos interactúan constantemente entre ellos y se fusionan en el resultado visual de la instalación fotográfica, convirtiéndose en ideas completamente dependientes la una de la otra para existir. El resultado final es un grupo de imágenes coherente que requiere un tiempo y una interpretación alternativa de los observadores, demandando una interacción con el contenido y la luz proyectada por cada una de las imágenes.

El artista

Entre los premios otorgados a Juan Guillermo Escobar están incluidos la mención honorífica de 2008 y 2009 del International Photography Awards, y su publicación por ser finalista en el libro Best Photography 2009 en los Estados Unidos. En 2004 recibió el Deans Purchase Award del Museo de Arte Lowe en Miami y el año anterior fue finalista nacional en Estados Unidos por la Mejor Fotografía Universitaria 2003.

Recientemente, sus obras han sido expuestas en la Bienal de Ámsterdam en 2009, en Capítulo 2 de la Asociación Fotográfica de Londres en el 2008, en la Galería 1839 de Londres en el 2008, y en la Galería Picasso Mio en Madrid en el 2007.

Las 13 abstracciones de color y luz, cada una de 56 x 83 x 9 centímetros, demuestran cómo estos tres conceptos interactúan constantemente entre ellos y se fusionan en el resultado visual de A mi la lluvia.

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Piedad Tarazona y su Con Trato de Mujer

BY: Angela Maria Jose Calderon / 0 COMMENTS / CATEGORIES: PUBLICACIONES DIARIO EL NUEVO SIGLO

INSPIRADA en el rol que desempeña hoy en día la mujer en la sociedad, la artista plástica Piedad Tarazona presenta su más reciente muestra de pintura abstracta, denominada Con Trato de mujer, basada en la investigación que adelantó sobre la situación del sexo femenino en distintos lugares del mundo.

Este es su compromiso de vida, su contrato como fiel exponente del género femenino. Mostrar la magia de la mujer, su delicadeza, color, intensidad y romanticismo. Es precisamente ese Trato de mujer el que está impreso en cada una de sus obras y es así como adquiere más valor la humanidad.

Piedad habla con metáforas en cada una de sus obras, permitiendo encontrar una excusa para opinar y plantear interrogantes frente al papel que juega la mujer en la sociedad actual, consiguiendo así el objetivo de transmitir esas incógnitas a los espectadores.

La artista se siente satisfecha, por el color, la fuerza y el tema de cada pintura. Considera que su trabajo es algo así como naif pop expresionista, un trabajo que le gusta al público por la sencillez que transmite al crearlo y porque logra impactar, sin ser pretencioso ni rebuscado.

“Cuando cerré el capítulo del amor, me quedó sembrada la idea de hablar de nosotras, ya que logré entender que el amor proviene de nosotras. Entonces, buscando cosas viejas, encontré un poema que se llama Y Dios me hizo mujer. En ese momento se me llenó el corazón de agradecimiento a la vida por haberme permitido ser parte del sexo que le da ternura y amor al mundo. Por eso me terminé de convencer de que somos la fuente del amor. Así que empecé a investigar cómo éramos vistas en otras partes del mundo y cómo nos trataban en otras sociedades, además de mi experiencia personal y la de historias de mujeres que han influido en mi vida”, afirma Piedad al describir el origen de su obra.

Durante la investigación para su muestra, la artista buscó temas relacionados con el aborto, la opresión de la mujer en el Medio Oriente, su papel en la guerra santa, el rol que juega el sexo femenino en oriente y en occidente, así como la situación con las mujeres indígenas. También estudió el comportamiento de la sociedad con respecto al género, el desprecio que hay por las niñas en China, el maltrato promovido por el Islam, la prostitución, la igualdad y la desigualdad, que a pesar de la revolución femenina, aún quedan rezagos en la sociedad de discriminación hacia la mujer.

Para la artista, las únicas armas que tenemos las mujeres son “la inteligencia, el amor y el deseo de sacar adelante a nuestras familias. Nosotras somos las más poderosas y fuertes, pero también somos delicadas, queremos que se nos cuide y cuando la violencia nos golpea, nos quedamos sin palabras, aunque llenas de ideas”.

La investigación sobre la mujer, dice Tarazona, “se convirtió en parte de mi diario vivir, quiero permanentemente oír historias de amor, de lucha, superación, éxito, triunfo, y todas las mujeres tenemos historias, por eso todas mis obras tienen historia”.

Piedad Tarazona sigue pintando lo que le gusta, lo que le llena el corazón y lo que quiere transmitir, pero esta vez lo hace valiéndose de las flores y sus colores. “A mí no me interesa pintar lo que se esté comercializando en el mundo del arte, sino lo que tiene sentido para mí y deja un mensaje en el espectador, un mensaje con Trato de mujer”, sostiene.

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